STOCKHOLM: LA SOLEDAD DEL REFLEJO HUMANO

Rodrigo Sorogoyen nos presenta su último trabajo con Javier Pereira y Aura Garrido como máscaras de las personas de hoy en día. Personas cuyas relaciones comienzan y terminan en el mismo punto, el punto del desconocimiento. Un juego de espejos y reflejos donde se representa a una sociedad global, y a una generación particular. Donde los límites de las personas comienzan donde acaba su reflejo. Un punto en el que las relaciones entre dos personas no son lo que eran, pero es algo muy diferente a lo que pueden llegar a ser.

De esta manera compleja, este pequeño proyecto rodado en doce días y con un ínfimo presupuesto en comparación al de la media de producciones españolas, arranca con fuerza y ambición hablando acerca de un mundo tan enigmático y cercano como el de los sentimientos. La soledad de las personas, sus miedos y el poder del individuo son algunos de los elementos que construyen una película ambivalente en cuanto a géneros, al desdoblarse entre la comedia, la tensión y el suspense a lo largo de su desarrollo. Una ambivalencia de personajes que son y dejan de ser transformándose en individuos perdidos en la vida, desconocedores de hacia dónde caminan.

ColumnaZero tuvo el placer de poder estar con el director Rodrigo Sorogoyen y uno de los protagonistas, Javier Pereira, para indagar mejor en la búsqueda de las claves de la película

¿Dónde surge Stockholm sobre esa cuestión de las apariencias que generan la mentira y la verdad?.

R. Nos parecía interesante contar o empezar contando un hecho muy, muy cotidiano que a todos nos puede pasar un viernes noche y que se sucediesen todas esas cosas que suelen pasan. Lo interesante que es ver una película así. La transformación del género. A nosotros nos gustan mucho las pelis de personajes, con espacios cerrados, y hacer un microcosmos donde pasen muchas cosas, y dilatar mucho ese tiempo donde suceden tantas cosas.

La búsqueda es el camino, mientras estás escribiendo te das cuenta de lo que quieres contar.

La atracción que hay entre los personajes se va intensificando a medida que evoluciona la película. De una forma positiva a mitad de la película, a una forma ya muy apoteósica al final. Una atracción progresiva que llega a generarse con el espectador. Cuando los personajes se empiezan a transformar y cambia mucho todo, el espectador dice: ¿Qué pasa aquí?

R. Si es cierto, visualmente hemos intentado cuidar mucho la película, intentamos buscarnos nuestros trucos a la hora de realizarla. Intentamos que tuviera un sentido visual potenciando la psicología. Yo creo que el espectador se identifica mucho con los personajes. Lo primordial de la película es que se identifique muchísimo con los personajes. Los personajes se llaman Él y Ella, les estamos diciendo al espectador, que este puedes ser tu, y esta puedes ser ella.

En ese juego de espejos jugáis mucho con mirar a la otra persona y no verla.

R. Sí hemos utilizado mucho los espejos por eso, es algo muy utilizado en la historia del cine. Hay un momento que me gusta mucho en el que ella se mira al espejo por la mañana y no sale. Hay otro en que él se mira al espejo en el baño y no se ve la cara. Intencionado, buscado.

Podríamos hablar incluso que el tema del maquillaje representa una transformación del personaje, esa máscara que se pone por la noche y de día no la tiene.

J. Podría ser una buena interpretación. A partir de ahí se empieza a quitar la máscara y ya no es tan simpático y encantador como parecía ser.

Varios planos fijos ante la inmensidad de la sociedad desenfocada y el tema del plano fijo secuencia que cubre la mitad de la peli.

R. Las espaldas son eso, ver el mundo y potenciar que estas dos personas pueden ser cualquiera. A mí estéticamente me gusta mucho. En toda esta parte queremos expresar que ellos dos están solos y necesitan juntarse. Se lo están diciendo, hay algo de verdad, no queríamos separarles. Ya están separados en el primer cuarto de película, pero poco a poco … Los planos largos dan naturalidad, si puedes hacerlo en un plano, prefiero hacerlo en un plano. En las producciones lowcost lo que hay que hacer es no imaginar la película, sino al revés, utilizar lo que tienes.

La secuencia del ascensor es un giro totalmente dramático, dinámico…

R. Queríamos acabar toda la primera parte en ese final porque justo lo que viene después es tan distinto, por lo que queríamos usar todos los elementos para eso, marcar un punto grande de inflexión.

Y ese trabajo acerca del miedo de los personajes, Stockholm habla de la soledad del ser humano, de la noche. Surge esa necesidad, ¿Ese trabajo cómo fue?

J. Los dos personajes son muy problemáticos. Son personajes complejos. Mi personaje son dos personas en una. Una como se muestra ante la gente y ante el mundo, y otra como se muestra en su casa. Ambos matices nos interesaban. Los dos personajes vamos bailando gracias a guión, uno tira y otro afloja. Ahora te saco yo a bailar y ahora me sacas tu. Son claves que sirven para que solamente dos personajes puedan mantener al espectador enganchado noventa minutos.

De cara a concluir, tras 8 citas, hay una cuestión muy importante que es el trauma y el peso de las relaciones sentimentales. Esa materialidad en lo que se han transformado las relaciones sentimentales, personales. Es una película que por la intensidad que tiene incita mucho a una reflexión.

R. Sabemos las pelis que nos interesan ver y hacer, son pelis que puedes llevarte a casa. Hablamos de algo que nos pasa a todos. De cómo nos queremos, y cómo nos relacionamos los hombres y las mujeres a lo largo de los años. Una situación muy cotidiana entre gente de veinte años y cuarenta. Una reflexión sobre la superficialidad. Es decir, como se manipula. Es algo que queríamos contar y que está ocurriendo.

Las formas de combatir el miedo a la soledad han cambiado. Ahora cada viernes buscamos encontrar al amor de nuestra vida.

David López Fernández

@DavidLF_cinema