Los directores cinematográficos que más reconocimiento internacional poseen dejan plasmada su firma en sus películas. Repasamos en ColumnaZero la «marca» que deja cada director en sus producciones teniendo en cuenta la narrativa audiovisual.
El director de cine es la persona que dirige la filmación de una película, da instrucciones a los actores, decide la puesta en escena, supervisa el decorado y el vestuario, y controla todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término un rodaje. Previamente tiene que intervenir en numerosas labores, principalmente la realización del guión técnico (tipos de encuadre, plano, movimientos de cámara, objetivo y angulación), así como el casting de los actores y demás profesionales, localizaciones, decorados, o la redacción final del guión.
Aunque no es una norma estricta, cada uno de los directores del panorama cinematográfico tiene su leitmotiv personal en cada una de sus películas. Por norma general, cada uno de ellos posee un número reducido de temas recurrentes sobre los que siempre van a tratar sus largometrajes. A todos los directores les gusta que sus películas tengan su firma a pesar de que ya aparezca su nombre en los créditos. Cada uno de ellos quiere ser el más original, creativo o incluso fetichista.
Con esto, lo que los autores pretenden es que los espectadores los vean como elementos narrativos de la producción, es decir, como elementos que continúan contando la historia que la película narra y que sirvan de ayuda para seguir con la argumentación.
En ColumnaZero queremos repasar a doce cineastas que han personalizado sus películas incluyendo sus «sellos”, que tienen tanto un sentido visual como interpretativo. Marcas que van desde un tipo de plano, sonido, característica común, hasta una manía, un mismo elemento o un personaje.
JOHN LANDIS: Sus películas se caracterizan porque en cada una de ellas aparece escrita la frase “See you next Wednesday”. El motivo por el que Landis incluye esta frase en todos sus filmes es por su película favorita 2001: Una odisea en el espacio de Stanley Kubrick. En esta película, uno de los personajes dice la frase “See you next Wednesday” y por eso decidió ponerla en sus películas. En este caso, esta frase no tiene ningún fin narrativo.
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CHRISTOPHER NOLAN: En todas sus películas aparece un plano detalle de las manos de algún personaje. Este «sello» que Nolan plasma en sus películas sirve para describir distintos matices del argumento; conforme se va desarrollando la película, el plano detalle se convertirá en algo muy importante de la trama. Reconocido desde su primer trabajo y nominado tres veces al Oscar por su papel de director y guionista, Nolan suele tratar temas de psicología en sus obras.
QUENTIN TARANTINO: En las producciones de Tarantino siempre aparece un plano desde dentro del maletero del coche de alguno de los protagonistas de la película. Maletero que, por lo general, contiene armas. Y es que a pesar de la violencia característica de sus películas, Tarantino ha logrado definir su estilo como único y en el que la música juega un papel vital. Director de culto, apoya a pequeñas producciones extranjeras en su labor como productor, convirtiendo muchas en taquilleras con sólo su recomendación. Hostel fue una de las ya conocidas como «Quentin Tarantino presenta».
JAMES CAMERON: En toda su filmografía podemos ver planos en los que los protagonistas aparecen a través de una pantalla o a través de la visión de los personajes. Con esos planos pretende crear una magia visual mostrando al público su pasión por los efectos visuales. Magia visual que su compañero Steven Spielberg intenta lograr en los planos en los que el sol es su principal protagonista. Y es que una buena puesta de sol siempre luce en la gran pantalla.
WES ANDERSON: El plano más utilizado en sus películas es el plano cenital, que narra el vértigo o el miedo que posee a los personajes en determinados momentos de la trama, transmitiéndoselo al espectador. Ninguna película se libra del clásico primer plano de la comida desde arriba.
HERMANOS COEN: Los hermanos Coen tienen una forma peculiar de crear tensión en el espectador. Lo hacen mediante el sonido de un teléfono que no deja de sonar y, además, los personajes tardan tiempo en responder, aumentando el nerviosismo en la escena. Los Coen evitan los créditos del inicio de sus películas y suelen usar el recurso estilístico de incluir un personaje excéntrico como Steve Burcemi en Miller´s.
INGMAR BERGMAN: Traslada a la gran pantalla grandes cuestiones metafísicas de las que se ocupó el existencialismo. Por ejemplo, la muerte, la libertad o la ausencia de Dios. Lo más clásico de sus películas es el tratamiento de la lucha contra la muerte y el tiempo. La marca que deja plasmada en sus películas es el sonido de algún reloj, un sonido de tic-tac o las olas del mar que provocan diferentes sensaciones como la impaciencia, la desesperación… logrando una atmósfera dramática característica y la búsqueda de la reflexión del espectador.
HERMANOS FARRELLY: En sus películas siempre hay una aparición de algún personaje minusválido o que haya sufrido un accidente pero que no da la sensación de compasión o respeto sino todo lo contrario, quiere mostrar que son personas iguales que pueden tener maldad y perversión.
ALFRED HITCHCOCK: El director aparece efímeramente como extra o en una imagen que forma parte de la trama o de la escenografía de más de treinta películas dirigidas por él mismo. Esta simpática costumbre es una de las firmas de Hitchcock y un entretenimiento para sus fans que, durante la proyección de la película, se dedican a buscar al director. El uso de notas y mensajes en papel en toda su filmografía suele ser recurrente.
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FEDERICO FELLINI: Su objetivo principal es mostrar la verdadera vida de los sectores más desfavorecidos de la sociedad. Fellini deforma la realidad en sus largometrajes incorporando elementos surrealistas y autobiográficos. En las películas de Fellini siempre aparece un personaje femenino que aporta sensualidad y erotismo a la trama.
Los directores españoles también tienen sus costumbres:
PEDRO ALMODÓVAR: El sello de Almodóvar en sus películas es filmar a una mujer de mediana edad detrás de un mostrador con el teléfono. Otra marca visible también en todas sus películas es la banda sonora y el juego que realiza con el maquillaje de las actrices. En prácticamente todas sus películas incluye algún número musical interpretado por alguno de sus protagonistas y que suele estar cargado de sentimiento. Incluso él mismo se atrevió a protagonizar uno en 1990 en «laberintos de pasiones». Quizás uno de los más recordados es la escena de la canción de»Volver» de la película del mismo nombre interpretado por Penélope Cruz, una de las chicas Almodóvar y otro sello más allá del film: repetir musas, con permiso de Carmen Maura.
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ALEX DE LA IGLESIA: En los guiones de las películas de De la Iglesia siempre hay un papel en el cual un personaje se juega la vida. Habitual es la escena en las alturas donde suele desenredarse la trama. Jugarse la vida en las alturas es un recurso con identidad propia que el director repite en films como «El día de la Bestia», «La comunidad» o «Balada triste de trompeta».
En el mundo del cine, sea cual sea la película, es de suma importancia el primer paso, que no es otro que el definir unos criterios básicos, unas pautas que orienten la visión creativa del director. La realidad que el cineasta quiere mostrar tiene que tener un lenguaje cinematográfico adaptado a los temas principales utilizados por él en el resto de sus trabajos. Por tanto, busca la mejor transposición de esa realidad que quiere transmitir, en un lenguaje que sea entendido por aquellos a los cuales se dirige.
María G. Ruiz
